【雜記】兆欣首次導演作品《聊齋》

今天晚上應了老友泊喬的邀約，到松山文創園區看《聊齋》。我對傳統戲曲的認識，多半來自我媽，她很愛看；我雖然沒有特別熱愛，但也不討厭，只怕唱腔難懂冗長，看到一半睡著，對不起演員們。至於《聊齋誌異》，我沒認真讀過，但大概知道裡面的故事：人與妖精鬼神的邂逅，有時候，最可怕的是人心。不過今天晚上的戲，打破了我對傳統戲曲與《聊齋誌異》的印象，令人耳目一新。

素樸中的鏗鏘

中國傳統戲曲以熱鬧的音樂與華麗的衣裳聞名，京劇動不動就齊德隆東強，台上角色鮮豔的臉譜與戲服令人眼花撩亂。然而《聊齋》卻一反傳統，三位演員（沒錯，全劇只有三位）全部身著白衣，唯一的樂器是古琴。全劇共分六段，每位演員分飾多角，有時是人有時是鬼，有時分不清陽間與陰間的界線，但每個角色的詮釋都絲絲入扣，旦角的身段細膩、唱腔美妙，敘事的「優」聲線時而厚實時而虛弱，可見功力深厚。捨去絲竹改用古琴，是導演的大膽嘗試，若喧鬧的絲竹鑼鼓與大亮的舞台訴說的是活人的悲歡離合，那麼《聊齋》的幽幽琴聲與明暗參半的燈光，就是要營造無垠幽冥中，人與鬼的哀愁吧！

台上的道具也是精簡的極致：兩張桌子、一張椅子、一架古琴、紅布黑布各一，演員們一邊演戲，一邊隨著劇情自然地搬動道具，轉換很流暢。

戲服、布景與燈光都以最素樸的方式呈現，對演員與觀眾都是挑戰：演員必須以演技撐起整個舞台，觀眾必須全心聚焦在演員的表演。好在演員們都非常優秀，「優」一人分飾男女兩角，以及「旦」具有現代風格的水袖舞，我都看得目不轉睛，「琴」一邊彈琴一邊演戲，甚或邊彈邊唱，歌聲嘹亮動人。三位演員非常成功地撐起了 70 分鐘的表演。

真情沒有界線

表演開始前，兩位編劇上台向觀眾稍作介紹，提到整場表演沒有字幕，節目單附有劇本全文。表演結束後、劇後座談開始前，我聽見後面兩位戲曲科班生的討論，他們認為唱詞還是要有字幕，不然只聽懂部分，沒辦法完全融入角色的情感。我沒有什麼特別的想法，只是覺得困惑，於是在劇後座談提問，問導演不打字幕是不是有特別的用意。導演回答：往年在國外推展戲曲藝術，外國人不懂中文，但仍然可以融入劇情、獲得感動，可見藝術的動人之處是超越語言的。把字幕打出來，觀眾就會急著讀字幕，無法專心欣賞表演。表演團隊希望觀眾享受當下的舞台呈現，若是有聽不懂的地方就先當成歌舞藝術，劇後再閱讀劇本，觀賞演出跟讀劇本也會有不同的感覺。

我覺得這是一項很大膽的嘗試。台灣觀眾太習慣字幕，看電影總是在爆梗之前就大笑，我高中的音樂老師也說，字幕讓我們的視覺領導聽覺，一旦沒了字幕，我們就惶惶然無所適從，失去了鑑賞的能力。《聊齋》以國語發音，沒有字幕其實也沒什麼關係，演員們咬字非常清楚，即便唱詞沒辦法每個字都聽懂，也能根據聽到的部分腦補整句的意思。我有先略讀劇本，大概知道劇情走向，而且我沒有很堅持每個字都要聽懂，所以還滿能沉浸在表演當中的。

我很喜歡編劇對這個問題的答覆：外國人不懂中文而仍然可以受戲曲感動，表示藝術是沒有界線的，正如《聊齋誌異》的精神，不論是人、是鬼、是妖，對於感情的執著都是一樣的，正是這份真情打動了讀者，也打動了觀眾。

老師的講評

演出團隊多是中央大學中文研究所戲曲組博士班的學生，也是資深的戲曲表演者，因此台下有不少觀眾是教授跟老前輩。在我提問之後，一位老先生發表意見，他認為古琴的聲音太媚（魅？）太陰柔了，也問演員們如何拿捏陰與陽的角色詮釋。他是導演兆欣的指導教授。擔任「優」的葉怡均老師表示她是從角色入手，以自己擅長的聲音藝術，詮釋生人與鬼魂的差異。至於劇本字句，未來會更加深入研究，他們會繼續嘗試凸顯這兩種氣質的表演方式。

這種師徒傳承的情誼我覺得很感動，老先生提出的問題我一開始聽不太懂，經過演員回答之後，我才發現這個問題雖然看來細微，但其實很重要，是影響劇作整體呈現的問題。我想這就是真正的絕頂高人吧！一兩句話就點到關鍵，對於優秀的學生非常有用。

結語
我看過幾場京劇表演，配樂熱熱鬧鬧，演員風風火火，唱到高潮處台下觀眾會拍手大喊「好啊！」的那種。相較之下，《聊齋》是脫胎換骨的嘗試，令我想起不甘於《天鵝湖》或《胡桃鉗》，開創現代舞派的優秀舞者。傳統戲曲與《聊齋誌異》我們已經再熟悉不過，《聊齋》取其精華元素重新組構，加入現代的燈光運用，成就一場嶄新精緻的作品。

以食物比喻，宮保雞丁跟麻婆豆腐都是我們吃慣了的名菜，今天有一群優秀的新銳廚師取了其中幾樣食材，做出一道無國界料理，做法精緻、口味清淡，但是餘味無窮。是的，《聊齋》就是這樣的一道好菜，輕食的規模，懷石的美味。